La musica come modo per vedere la realtà da una nuova prospettiva.

Marcelo Schnock alias Olec Mün è nato in Argentina nel 1985. Suona il pianoforte da quando aveva 6 anni. Ha poi studiato jazz, musica folkloristica, armonia e composizione. Dopo il debutto solista con Septenio (2018), il 25 settembre 2020 ha visto l’uscita del suo nuovo album per pianoforte, Reconciliation, pubblicato  da Lady Blunt Records.

English

Where does your passion for music come from and how would you describe your music to someone that has never heard you before?

Music was my first form of playing, of exploring reality. My mother is a music therapist, so she taught me through music. It’s a language so natural in me that I cannot imagine life without it. It would be the same for me if you asked: “Where does your passion for speaking, or walking come from?” When I look back into my childhood, I can see myself either singing or in silence, listening to all the sounds that surrounded me. There is something about sound that captivates me, and it has always been like this.

It is not easy to describe my own music, or any music, because music is a language in itself that exceeds words, so anything I can say about it will run short. I can only appeal to poetry, to metaphors, so I would say my music creates a space, an atmosphere which unquestionably takes you to introspection, because that is the place from where it was composed.

Walk us through the process that leads to the creation of the concept of your album.

Music is a reflection of what is going on with my life, it is my way of being able to “see” what goes on inside, it allows me to observe it from a new perspective.

I was doing something in my life that had a lot of symbolic power and I did not want to miss it, because I had an opportunity to restore something really profound. I am talking about moving from Argentina to Europe. I could have seen it just as an episode of changing home, which is something that goes on all the time around the world, but every decision we take has many layers of information. I was also the first one in three generations within my family tree that was going back to the continent that persecuted my four grandparents and killed most of their relatives. When I realised I had an opportunity in front of me of healing that invisible thread, of shedding some light into that relationship, music started pouring from me and the whole process of composition was a reconciliation of myself with this continent. Now that I see back, I realise that it is something I had to do in order to settle here.

The structure came later:  two clear family of songs were composed simultaneously which ended up being the “Songs for my ancestors” and the “Journey of the refugee”.  And finally, I had a personal epiphany: I was not only healing my relationship with Europe, but I was also reconnecting with my Jewish roots. Once I was able to transcend that which stood between me and my Judaism, I immediately connected with the Kabbalah, the ancient Hebrew mystic tradition.

The Kabbalists say that each creature in the Universe is a vessel that carries light, infinite energy. When my grandparents were taken away from their homes, their vessels were shattered. That is how I suppose exile feels. Reconciliation would be the process of putting back the pieces of the broken vessel. So, for the visual art, we took this powerful symbol of the broken vessel recovering its pieces in order to precipitate light again in the Universe.

Septenio narrated your first seven years of life, Reconciliation, instead, talks about your origins in the vests of for Hebrews escaped from the Nazis regime and its atrocities. For your music is a way to tell your story and be heard via the use of the piano?

As I was telling you before, music is my way of understanding myself, of visiting different scenarios of life, being past, present or future, of shedding light and beauty where there might be dark spots that don´t let me see clearly.  If I sense that the exploration that I am doing is worth sharing; if I sense that it may speak to or inspire more people than just myself, then I publish it and share it. My two albums talk about my personal story because I am processing that myself, but I don´t know how my future music sounds and what it will talk about. If I knew, life would be really boring!

If we take into account the first four songs of your album (Richard, Dora, Freddy, Jetty), Freddy is the less excruciating of them. Tell us the reason of this choice.

Well, I understand that this is your personal interpretation, but I believe that you say it because it is the only one of the four pieces that is mainly in a mayor scale and not in a minor scale. I realise this now that you have asked me this question. The decision was completely unconscious, but I guess it has to do because my grandfather is a really sweet man, he always has a smile waiting for you and he is a really loved man by everyone he has ever met. When I think of him, I immediately smile, so the song that came out for him was more a pleasant melancholy than an excruciating tone.  I wrote this song when he was in the hospital. I came back from visiting him, sat on the piano, and the melody appeared. It was my way of inhabiting hope for his recovery.

In the title track you used your voice for the first time as an added instrument: do you think that you will use it also in other songs, broading your musical research also to the singing part?

I am in service of the music, so if the music asks for it, then I will definitely sing again! The voice expresses as no other instrument does, so I guess that in those moments of pure vulnerability it becomes really powerful. And it is interesting to see that sometimes a non-professional voice expresses much more than a professional one. I believe it is because the non-professional voice has not developed the technique to decide what to show and what to hide, so it is there, naked and vulnerable. It is the risk that every technique comes with. Although piano is the instrument, I play the most, I also play other instruments that if they help me express what I want to express I don’t see why I shouldn’t include them. We must not forget that they are instruments, they are not the end but the means.

Which one are, in your opinion, the three fundamental albums to listen to if someone wants to learn how to play piano?

The piano universe is such a vast one that it would be really difficult to name only three. Any Keith Jarrett solo album, be it Koln, Bregenz, La Scala, Tokyo, Rio, etc, can make you fall immediately in love with the instrument, because he reaches such levels of pure beauty and authenticity. But then of course you will realise that playing like Keith would be impossible, so I would also recommend someone more from Planet Earth, such as Chilly Gonzalez. His songs have similar structures of pop music, so they are easier to hear. I believe Chilly Gonzalez reaches a great fusion between the classical world and the pop modern world.  Any of his three solo piano albums will captivate you. Finally, I would recommend Glenn Gould playing the Goldberg Variations. He has such a special and unique expression, and his way of playing is so hypnotic. I´m realising it is not albums but pianists I am mainly recommending, because what inspires me about them is that they are three of many that transmit how you can reach a level of intimacy and expression with this incredible instrument.

What are the main features that ha composer must have to emerge in this music specific music scene that, in the last years, witnessed an exponential growth?

I believe any true artist must explore his/her own style and language. So, I would say that self-exploration is necessary if you want to speak for yourself and not merely reproduces others´ formulas.  Perseverance and discipline are two qualities that I admire everyday more. You can be really creative but if you don´t take yourself seriously and believe in what you do, I believe it is difficult to transcend. The whole music scene is changing constantly, the rules are always changing, and I know that we have to be informed of the scene, but I believe that music comes always first. If you don´t have that priority clear, it is probable that you will end up composing from an algorithm and not from the soul.

Italiano

Iniziamo conoscendo meglio Olec. Come nasce la tua passione per la musica e come descriveresti la tua musica a chi non ti ha mai ascoltato.

La musica è stata la mia prima forma di gioco, di esplorare la realtà. Mia madre è musicoterapeuta, ogni suo insegnamento è avvenuto attraverso la musica. È un linguaggio così naturale per me che non posso immaginare una vita senza. Se mi chiedessi “Da dove viene la tua passione per parlare, o per camminare”? ti darei la stessa risposta. Quando penso alla mia infanzia, mi ricordo che mi piaceva cantare o stare in silenzio, ascoltando tutti i suoni che mi circondavano. C’è qualcosa nel suono che è troppo accattivante per me, è stato sempre così.

Non è facile descrivere la mia musica, o qualsiasi tipo di musica, perché è un linguaggio che va oltre le parole, quindi qualsiasi cosa io dica non sarà mai abbastanza. Posso usare dei versi o delle metafore per descriverla, e direi che la mia musica crea uno spazio che, senza dubbio, ti porta ad essere introspettivo, perchè è la stessa atmosfera in cui è stata composta.

Come nasce l’idea del concept del disco?

La mia musica è il riflesso di ciò che mi accade, è il mio modo di vedere e processare ciò che succede da una nuova prospettiva.

Stavo facendo qualcosa nella mia vita che aveva un forte valore simbolico e non volevo perdermelo, perché ho avuto l’opportunità di recuperare qualcosa di davvero profondo per me. Sto parlando del mio trasferimento dall’Argentina in Europa. Avrei potuto vedere questa cosa come un semplice trasloco, che è qualcosa che succede in ogni momento intorno al mondo, ma ogni decisione che prendiamo ha così tante informazioni nascote alla vista. Sono stato il primo in tre generazioni nella mia famiglia che è tornato in Europa, il continente che ha perseguitato i miei quattro nonni e ucciso la maggior parte dei miei parenti. Quando ho capito che avevo l’opportunità lì, di fronte a me, di curare questa ferita invisibile, e di portare un po’ di luce in quell’oscurità, praticamente le note hanno cominciato a scorrere dentro di me, come se stessi componendo il mio processo di guarigione con questo continente. Ora che mi guardo indietro, mi rendo conto che è qualcosa che dovevo fare per potermi stabilire qui.

La struttura è venuta solo successivamente: ci sono due “famiglie” di canzoni che sono state composte nello stesso periodo, e che alla fine si son trasformate in “Songs for my ancestors” e “Journey of the refugee”. Il mio momento rivelazione è arrivato quando ho capito che non stavo solo curando me stesso e il mio rapporto con l’Europa, ma stavo nuovamente tornando a contatto con le mie radici ebraiche. Una volta riuscito ad oltrepassare questo masso che divideva me e il giudaismo, sono entrato in contatto immediatamente con la Kabbalah, l’antica tradizione mistica ebraica.

Gli esperti di Kabbalah dicono che ogni creatura nell’universo è portatrice di luce, energia infinita. Quando i miei nonni furono portati via dalle loro case, i loro scrigni di luce furono distrutti. Questo è più o meno come io immagino l’esilio. Il processo di riconciliazione sta nel recuperare i cocci di questo scrigno. Questo, tradotto in arti visuali, ha portato alla scelta di questo simbolismo così profondo per rappresentare la guarigione e la ricostruzione di questo scrigno per illuminare di nuovo l’universo.

Con Septenio hai raccontato i tuoi primi sette anni di vita mentre con Reconciliation parli delle tue radici narrando di quattro profughi ebrei fuggiti dal regime nazista e dalle sue atrocità. La musica per te è un modo per raccontarsi e farsi conoscere attraverso l’uso del piano?

Come ti dicevo prima, la musica è il modo migliore che ho per capire me stesso, per visitare scenari differenti della vita (presente, passata o futura), per irradiare di luce e di bellezza luoghi oscuri in cui ho difficoltà a vedere con chiarezza. Se sento che vale la pena condividere questo mio viaggio, se sento che tutto questo potrebbe ispirare altre persone come ha aiutato me, allora certo che pubblicherò e condividerò quanto creato. I miei due album rappresentano la mia storia nel modo in cui la sto processando, e non so se i miei prossimi lavori abbiano la stessa linea melodica o tratteranno le stesse tematiche. Se lo sapessi, la mia vita sarebbe davvero noiosa!

Se prendiamo in considerazione le prime quattro tracce del disco (Richard, Dora, Freddy, Jetty), Freddy è la meno straziante. Come mai questa scelta è ricaduta proprio su questa composizione?

Beh, capisco che questa è un’interpretazione personale, ma credo che tu stia affermando ciò perché “Freddy” è l’unico brano in scala maggiore e non minore. Me ne son appena accorto ora che me l’hai chiesto. Questa decisione è del tutto non consapevole, ma credo che abbia a che fare con la figura di mio nonno: un uomo davvero dolce, sempre sorridente, amato da tutti. Quando penso a lui sorrido immediatamente: credo che questo sia il motivo del tono differente di “Freddy”, è un tipo di malinconia più gradevole. Ho scritto questa canzone mentre era in ospedale. Tornato a casa dopo essere andato a fargli visita, mi misi al piano e come per magia è nata questa canzone. È stato il mio modo di infondere speranza nel suo processo di guarigione.

Nella title track per la prima volta hai usato la tua voce come uno strumento aggiunto, pensi che in futuro ci sia la possibilità di utilizzarla su altre tracce ampliando la ricerca musicale non solo sul piano, ma anche sulla voce?

Io sono al servizio della musica, quindi se la musica lo richiede, canterò sicuramente! La voce esprime ciò che altri strumenti non possono fare, e penso che in quei momenti di pura vulnerabilità sia davvero potente. È interessante notare come una voce non professionale possa esprimere molto di più di una voce “allenata”. Credo che il fatto di non conoscere alcuna tecnica aiuti questa autenticità. Nonostante il fatto che io suoni principalmente il piano, uso anche altri strumenti che mi aiutano ad esprimere ciò che voglio trasmettere. Non dimentichiamo che la voce e qualsiasi altro strumento sono solo mezzi, ma ciò che importa è il risultato.

Quali sono secondo te tre album fondamentali da ascoltare per chi vuole approcciarsi per imparare a suonare il pianoforte.

L’universo dei pianisti è così vasto che è difficile per me nominarne solo tre. Direi qualsiasi album solista di Keith Jarret, che sia a Koln, Bregenz, La Scala, Tokio, Rio: non potrai non innamorarti di questo strumento. Riesce a raggiungere livelli di bellezza e autenticità incredibili. Ovviamente, capirai subito che suonare come Keith Jarret è impossibile, quindi raccomanderei un pianista che non viene da un altro pianeta come lui. Provate con Chilly Gonzalez. Le sue canzoni hanno una struttura molto pop, quindi sono facili da ascoltare. Credo che Chilly Gonzalez sia stato in grado di creare una fusione interessate tra il mondo classico e il mondo pop moderno. Qualsiasi dei suoi tre album vi affascineranno. Infine, raccomanderei Glenn Gould in “Goldberg Variations”. Un potenziale incredibile e una forma di espressione unica: un pianista capace di ipnotizzare. Mi rendo conto che sto suggerendo pianisti più che album, ma loro tre mi ispirano particolarmente in quanto raggiungono livelli estremi di espressione ed intimità con il piano.

Quali sono le caratteristiche che deve avere un compositore per emergere in un panorama che negli ultimi due, tre anni è cresciuto esponenzialmente.

Credo che ogni artista debba esplorare il proprio stile e linguaggio. Direi che analizzare ciò che si vuole fare è fondamentale per capire la differenza tra suonare per trasmettere qualcosa che si vuol dire e suonare per riprodurre motivetti già sentiti. Disciplina e perseveranza sono due qualità che ammiro ogni giorno di più: puoi essere davvero creativo, ma se non ti prendi sul serio e non credi in ciò che fai, credo che sia difficile fare il salto di qualità Tutta la scena musicale cambia costantemente, le regole vengono aggiornate di continuo. Capisco che bisogna tenersi aggiornati, ma credo che la musica venga prima di tutto questo. Se non hai una chiara priorità, è probabile che finirai col produrre partendo da un algoritmo e non dal tuo cuore.

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Mario Ariano

Nato a Caserta nel 1989, innamorato folle della musica, dell’arte e del basket. Nel lontano 2003 viene letteralmente travolto dal suo primo concerto, quello dei Subsonica, che da quel giorno gli aprirono un mondo nuovo e un nuovo modo di concepire la musica.
Cresciuto col punk e la drum and bass, ama in maniera smoderata l’elettronica, il rock e il cantautorato. Fortemente attratto dal post-rock, dalla musica sperimentale e da quella neoclassica, non si preclude all’ascolto di altri generi definendosi un onnivoro musicale.

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