Robot Koch

Il suono organico di Robot Koch

Robot Koch è un produttore / compositore di Berlino che nel 2014 ha vinto il German Music Composers Award 2014 nella categoria “miglior compositore di musica elettronica”. Koch ha pubblicato diversi album ed Ep su etichette come Monkeytown, Bpitch Control, Project Mooncircle, caratterizzandosi per un’elettronica dal suono organico. È stato allievo della Red Bull Music Academy e produttore dietro l’acclamata band Jahcoozi (BPitch Control). Il 29 maggio è uscito per Modern Recordings, The Next Billion Years, il suo nuovo album nato in collaborazione con il famoso direttore estone Kristjan Järvi.

English

You started your career more or less twenty years ago. What did it change since then for Koch as a producer, and what did it change in the music industry?

Yes, my music has been evolving, I`ve been evolving as a person and the music industry changed a lot too. 20 years is a long time. My solo career as Robot Koch started in 2009, before that, I was releasing albums and touring with my band Jahcoozi, as well as producing for other artists. My music has become more and more atmospheric and cinematic, it´s the music I always wanted to make but didn`t have the means and skills to do it until now. Also, I`m more interested to work conceptually, not just release and album and tour it… this concept bores me actually.

With my last album Sphere it was about creating a fully immersive audiovisual experience in planetariums which was a big success with many sold-out shows worldwide and several awards we won. For the current album, the theme is the long terms future of our species on this planet. So I like to put my music into a bigger context and concept.

The music industry is a very different place than it was 10 or 20 years ago. 10 years ago it was really important to be on certain big blogs or in certain magazines, that´s somehow less relevant nowadays, today it´s all about being on a big Spotify playlist. Streaming has changed the industry a lot but there are new opportunities as well. I think it´s a great time to be an artist nowadays, you can be more independent and in charge of your own career if you make the right moves. It can be an empowering time for artists if they choose to take control of their careers.

You are from Berlin, but you’re living in Los Angeles. Why did you choose to leave Germany? Are there more possibilities to succeed in the music industry in the States? What are the main differences between Berlin and Los Angeles?

No, it had nothing to do with my career. 2013 was a bit of a dark year for me, I had a breakup with a long term relationship, a music project went sour, I ended working with my management, lots of things came to an end. I was also not inspired by Berlin anymore. I lived there for more than 13 years. So it was time for a change. Time to move on. I moved to LA out of a gut feeling, I didn`t really know anyone there. Life can be very rewarding if you do venture out of your comfort zone and explore something new. I love nature in California, it inspires me. I have a great community of creative people around me and there are some things I discovered about myself that I would maybe not have tapped into as much if I had stayed in berlin. Like my regular meditation practice and some deeper forms of self-inquiry. I got to know myself better.

The Next Billion Years shows a sort of change of mood in comparison with Sphere. Listening to both, it’s interesting the change from dark atmospheres of Sphere, to more shiny and ethereal ones in The Next Billion Years. What’s the story behind this change?

Yes, sphere was about the unknown, the dark and deep realm of space, this is what we explored in the immersive AV show, it was all about leaving your comfort zone and exploring things that maybe scare you, just because they seem unfamiliar and alien, but there were also some intimate and warm, familiar moments, like in songs like movement III.

The Next Billion Years is a more hopeful, but still melancholic projection into the long term future of our species on this planet. The overall vibe is not dark because I think we shape and create our future in real-time in the present moment. So if we think “we`re all doomed anyways, so why should we care?” this would be a dangerous attitude. I think we will survive as a species because we care. Because we overcome limitations of the ego, the separation, and realize the interconnectedness of all life. So it´s not a dark message, but a deeply emotional one.

Orchestral music and electronics get together perfectly in Liquid. How did this hybrid come to life? Was it part of a well-planned process or it just came out while playing?

I wrote it all mainly electronically but already sketched some orchestral parts using midi strings. Then I was lucky to work with some great orchestrators who helped me translate my ideas into sheet music for the orchestra to play. For example, I worked with Viktor Orri Arnason, who is a fantastic orchestrator and violinist. His credits include work for Johann Johannson, Hildur Guðnadóttir and Olafur Arnalds. It was great to develop some of the pieces together. i also worked with John Metcalfe who orchestrated music for Peter Gabriel and Gene Pritsker who is a very prolific and talented orchestrator as well. It was great to work with a top-notch team on this album.

Your new album is a mix of electronic, ambient and neoclassic music. Listening to it carefully, though, I heard also something related to trip hop. All these influences are a result of the music you usually listen to or is it the natural outcome of the mixture of your music and the one of the Estonian orchestra conducted by Kristjan Järvi?

I love ambient music, I also grew up on hip hop and also trip-hop (early mo wax, ninja tune stuff). so my music is of course infused with what I grew up within a way but my biggest inspiration is nature. that´s something I share with Kristjan Järvi. We didn`t only agree on musical preferences but also share a love for spiritual and metaphysical matters.

Can you walk us through the instruments and machines you usually use to make your music, focusing on the ones that you used to make The Next Billion Years?

Sure, I used a lot of analog synths/pedals: the Lyra8 (for example on hawk, dragonfly), Roland Juno (for example on all forms are unstable), Roland JX, Fairfield Shallow Water is a great lofi pedal i used on the beginning and end of Glow.

In terms of VST/plug-ins: u-he Diva, Waves and Fab Filter EQs and Multiband Comps, Adaptiverb, Puremagnetic Devices, some NI Kontakt Libraries (for example Spitfire for the Orchestra Demos which I later replaced with the real Orchestra). The album was produced in Ableton, the Orchestra was recorded in Pro Tools.

This album history starts with a tape that you found in a second hand shop in Los Angeles. Why do you think that those classic supports like vinyls, and now also tapes, are living this sort of revival?

I think there is something about the imperfection of tapes or records that makes them so charming. all the sound artifacts they produce, like the hiss, the crackling, the unsteadiness of an old tape has so much character, I guess that´s what makes it so desirable, in a world of so much digital perfection. The perfection is almost easier to achieve than the depth of character, so i love the hazy aliveness of a medium like a tape cassette.

The Next Billion Years is an album that asks how future will look like. What should we expect in the future from your music and from your collaboration with Kristjan Järvi and his orchestra?

We were supposed to go on tour together, but then COVID 19 happened and it got all canceled. I hope we can do it at a later point in time. and I`m also working on a VR experience for The Next Billion Years, something I can share more info on as it progresses, we`re still in the early stages.

Italiano

La tua carriera inizia circa vent’anni fa. Cosa è cambiato da allora sia per il Koch produttore, sia nel panorama musicale.

Si, ovviamente la musica si è evoluta, e anche io come persona. Venti anni sono tanti. La mia carriera da solita come Robot Koch è iniziata nel 2009, prima facevo parte dei Jahcoozi, incidevamo album e producevo anche altri artisti. La mia musica è diventata più d’atmosfera e cinematica: è il tipo di musica che ho sempre voluto fare, ma che non ci sono mai riuscito perché non avevo né gli strumenti né le capacità. Fino ad ora. Inoltre, mi interessa più lavorare su un concetto, non semplicemente registrare, pubblicare un album e fare un tour. Questo concetto mi annoia.

L’idea dietro il mio ultimo album Sphere era quella di creare una esperienza audiovisiva all’interno di planetari, ed è stata un grande successo, con tanti sold-out in tutto il mondo e anche qualche award portato a casa. Per quanto riguarda il mio lavoro corrente, la tematica principale ruota intorno al futuro a lungo termine della nostra specie sul questo pianeta. In pratica, mi piace associare la mia musica ad un contesto e un concept molto più grande.

L’industria musicale è totalmente differente rispetto a 10 o 20 anni fa. Dieci anni fa ciò che era veramente importante era essere su determinati blog o magazine. Ora questo fattore è meno rilevante, tutto si riduce all’essere in una grande playlist su Spotify. Lo streaming ha cambiato questa industria, ma ci sono anche tante nuove opportunità. Credo che sia fantastico essere un artista oggi, puoi essere più indipendente e puoi decidere della tua carriera se prendi le giuste decisioni. Può essere un momento davvero importante per un artista, se sceglie di prendere il controllo della propria carriera.

Sei berlinese, ma vivi a Los Angeles. A cosa è dovuta la scelta di lasciare la Germania, ci sono più possibilità in America in ambito musicale e quali sono le differenze tra queste due metropoli per quanto riguarda la musica?

No, il mio trasferimento non è legato alla musica. Il 2013 è stato un anno un po’ buio per me, la mia relazione a lungo termine è terminata, un progetto musicale andò a farsi benedire. Alla fine mi ritrovai a lavorare con il mio management. Tante storie si son concluse in quell’anno. Berlino non mi ispirava più. Ho vissuto lì per oltre 13 anni. Quindi era tempo di cambiare. Tempo di andare avanti. Mi sono trasferito a Los Angeles per istinto, non conoscevo nessuno lì. La vita ti riserva delle bellissime sorprese se sei capace di uscire dalla tua comfort zone per esplorare qualcosa di nuovo. Amo la California, mi ispira tantissimo. Ho una comunità di creativi intorno a me che mi ha aiutato a scoprire cose di me sulle quali non avrei riflettuto se fossi rimasto a Berlino. Ad esempio, molto mi sta aiutando la meditazione in questo senso. In questo modo riesco a conoscermi meglio.

Se ascoltiamo il tuo ultimo album The Next Billion Years, si percepisce un cambio di mood nelle tracce rispetto al precedente Sphere. Dalle atmosfere cupe del precedente album ad atmosfere eteree e luminose del tuo ultimo lavoro. A cosa è dovuto questo cambiamento?

Si, Sphere riguardava lo sconosciuto, i meandri oscuri e profondi dello spazio. Questo era ciò che veniva esplorato durante le esperienze audiovisive che abbiamo organizzato: tutto era incentrato sul lasciare la propria comfort zone ed esplorare cose che potrebbero impaurire. A volte si tratta di qualcosa di non familiare o alieno, ma d’altro canto non mancano momenti intimi e calorosi, familiari, come ad esempio nel brano Movement III.

The Next Billion Years, invece, è carico di speranza, con un pizzico di malinconia che accompagna attraverso il futuro della nostra specie su questo pianeta. Non lo definirei “cupo” perché credo che noi creiamo il nostro futuro in tempo reale nel presente. Quindi pensare una cosa del tipo “Tanto alla fine siamo comunque spacciati, perché fregarsene?” è davvero nocivo. Sono convinto che noi sopravviveremo come specie perché siamo solidali. Riusciamo sempre a superare i limiti del nostro ego, le separazioni, capiamo che tutto è collegato. Non è un messaggio oscuro, è un messaggio prettamente frutto dell’emotività.

Ascoltando Liquid si sente subito la dualità tra elettronica e musica orchestrale. Come è nato questo ibrido? È stato un processo ragionato o è nato spontaneamente?

Ho scritto per la maggior parte tutto con le macchine, ma avevo già abbozzato le parti orchestrali usando stringhe Midi. Ho avuto la fortuna di lavorare con grandi orchestranti che mi hanno aiutato a tradurre le mie idee e a metterle in note su un pentagramma così da poter suonare il tutto con un’orchestra.

Per esempio, ho lavorato con Viktor Orri Arnason, che è un grande orchestrante e violinista. Ha lavorato con Johann Johannson, Hildur Guðnadóttir e Olafur Arnalds. Un’esperienza fantastica lavorare su alcuni brani con lui. Ho anche lavorato con John Metcalfe che ha lavorato con Peter Gabriel e Gene Pritsker, il quale è un musicista altrettanto prolifico. È stato bellissimo lavorare con un team di altissimo livello per quest’album.

Questo tuo nuovo album è un mix di elettronica, ambient e neoclassica. Ascoltandolo ci sento anche delle influenze trip hop. Le influenze del disco derivano dai tuoi ascolti o il sound è la somma della tua musica con quella dell’orchestra estone diretta da Kristjan Järvi?

Amo la musica ambient, sono cresciuto con tanto hip hop e trip-hop (i primi lavori di Mo Wax e Ninja Tune). Certamente la mia musica è influenzata da ciò che ho ascoltato, ma la mia fonte di ispirazione principale è la natura. Una cosa che condivido con Kristjan Järvi.Non solo siamo d’accordo sui nostri gusti musicali, ma amiamo entrambi la spiritualità e la metafisica.

Ci puoi raccontare con quali macchine produci la tua musica e con quali strumenti è stato realizzato The Next Billion Years. 

Certo, uso molto synth e pedali: Lyra8 (per Hawk e Dragonfly), Roland Juno (per All forms are unstable), Roland JX, Fairfield Shallow Water (grande pedale, usato all’inizio e alla fine di Glow). Per quanto riguarda VST e Plug In: U-He Diva, Waves e Fab Dilter EQ e Multiband Comps, Adaptiverb, Puremagnetic Devices, qualche NI Kontakt Libraries (ad esempio Spifire per le demo dell’orchestra che ho sostituito poi con una vera orchestra). L’album è stato prodotto con Ableton, l’orchestra è stata registrata con Pro Tools.

L’album nasce dal ritrovamento di una audiocassetta in un negozio di seconda mano a Los Angeles. Secondo te come mai dopo il ritorno dei vinili, un formato che sta tornando in auge è quello delle audiocassette?

Credo che ci siamo qualcosa che riguarda le imperfezioni delle cassette o che li rende affascinanti. Tutti i suoni che producono, scricchiolii, sbalzi di volume, sono cose che danno carattere, e che rendono il tutto così appetibile in un mondo dedito alla perfezione del digitale. È più facile raggiungere la perfezione che lo spessore artistico al giorno d’oggi, ed è per questo che amo un lavoro “imperfetto” come quello su cassetta.

The Next Billion Years è un album che, al suo interno, chiede come potrebbe essere il futuro. Cosa riserva il futuro per la tua musica e cosa dobbiamo aspettarci dopo la collaborazione con Kristjan Järvi e la sua orchestra?

Avevamo un tour pronto, ma abbiamo dovuto cancellare a causa del Covid. Spero che ad un certo punto riusciremo a recuperare le date. Sto lavorando anche ad una esperienza in VR per The Next Billion Years, ma è ancora troppo presto per parlarne e vi aggiornerò in corso d’opera.

Leggi la recensione dell’album The Next Billion Years QUI

Mario Ariano

Nato a Caserta nel 1989, innamorato folle della musica, dell’arte e del basket. Nel lontano 2003 viene letteralmente travolto dal suo primo concerto, quello dei Subsonica, che da quel giorno gli aprirono un mondo nuovo e un nuovo modo di concepire la musica.
Cresciuto col punk e la drum and bass, ama in maniera smoderata l’elettronica, il rock e il cantautorato. Fortemente attratto dal post-rock, dalla musica sperimentale e da quella neoclassica, non si preclude all’ascolto di altri generi definendosi un onnivoro musicale.

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